L’ART
CONTEMPORAIN
EN
AFRIQUE
“
une émergence”
Exposition de L’ATELIER
Centre d’Art
et d’Échanges culturels
route
de Flassans (D78)
83790
PIGNANS
TEL
et FAX : 04 94 33 23 21
Le Centre d’Art et d’Échanges
Culturels de PIGNANS a ouvert ses portes en 1996 à l’initiative privée de
Jean Miotte et Dorothée Keeser.
Cet espace, ensemble de verre et
de crépi blanc, réalisé par l’architecte
niçois Gérard Anezin, a été conçu dans le but de
favoriser des échanges culturels à l’échelle internationale, démarche
vers la démocratisation de la culture, volonté de créer une symbiose entre
l’artiste et son public. Depuis quatre ans qu’existe l’Atelier, Jean
Miotte et Dorothée Keeser ont
travaillé avec plus d’une cinquantaine d’artistes.
Durant l’été 1996, la première exposition fut consacrée
à “L’Abstraction, langage du XX ème siècle”, qui a réuni une
trentaine d’artistes tels que Bury, Fautrier ou Michaux..
Pour l’été 1997,
un “
Festival de sculptures” fut ouvert à une quarantaine d’artistes
internationaux.
Pendant l’été 1998, une
exposition a eu pour thème “
les métiers d’Art en France ” (estampes, céramique, gravure, tissage
...)
Durant l’automne 1998 fut commémoré
l’anniversaire des 50 ans du groupe Cobra.
Au cours de l’été 1999 le sujet de l’exposition a été
“ la photographie” , avec des artistes tels qu’ André Berg,
Fritz Pitz ou André Villers.
Du 10 juin au 10 septembre 2000, l’ Atelier réalise une exposition ayant pour thème
“la création contemporaine en Afrique”.
Le Centre d’Art et d’Echanges Culturels de Pignans,
dans le Var, a su devenir en peu de temps un point d’attraction et acquérir
une renommée tant auprès de la population locale que des amateurs de nombreux
pays.
L'ART CONTEMPORAIN EN
AFRIQUE,
UNE EMERGENCE.
Privilège et
difficulté d'un moment de l'histoire où un phénomène dit de mondialisation
semble uniformiser pensées et démarches tandis que résistent différences et
spécificités ; rapport qui n'est plus d'ignorance ou de domination, avec ce
que cela implique de tentations de possibles destructions mutuelles, mais de
concurrences croisées dans une notion, historiquement neuve, de relative égalité.
L'histoire de
l'art en train de se faire, n'échappe pas à ce fascinant tourbillon, dans le
prodigieux fourmillement de la création artistique contemporaine, chaque région
du monde apporte sa part et toutes justifient un regard attentif.
Il
est tout aussi périlleux qu'indispensable
de tenter d'explorer l'avenir, et
cela même si la critique artistique est riche
de jugements a priori que l'histoire
s'empressa de démentir.
C'est pourtant
bien faible risque que d'imaginer l'Afrique appelée à jouer, dans les
années à venir, une part prépondérante dans la création artistique.
De
la triple confluence entre la longue historicité de l'art
nègre, la courte histoire d'une consubstantialité croisée entre l'art
moderne et contemporain occidental et une volonté de trouver des démarches
nouvelles, apparaît, avec une force étonnante et une prodigieuse rapidité, ce
que pressentait Pierre Descargues, voyant l'art contemporain en Afrique "…en
suspens, comme intimidé, sur le seuil".
Le seuil
franchi, disparue l'intimidation, apparaissent, plus que les prémices, les
quasi-certitudes d'une aventure artistique appelée à marquer les temps à
venir.
S'impose alors
un regard nouveau.
Cette
exposition, qui fait appel à quelques-uns des artistes les plus représentatifs
de l'Afrique, tenant compte de techniques et méthodes aussi novatrices que déroutantes,
de démarches profondément originales, d'une authentique modernité incluse
dans les profondeurs d'une histoire qui connut sans doute l'origine même de
l'humanité, permettra d'amorcer une recherche sur l'action présente, en
matière artistique, de ce
continent et la tentative de discerner quelques lignes de force.
Prospective
initiale, obligatoirement dépourvue
d'exhaustivité et connaissant ses limites mais reflet d'une volonté de découverte et gage d'une continuité
exploratoire.
Regard rapide
certes, car dans la gigantesque quantité des artistes d’Afrique, il fallut
effectuer des choix , avec tout ce que cela comporte d’hésitations et
d’incertitudes. Seize artistes seulement sont présents, ils ne sont
qu’un reflet de l’aventure contemporaine de l’art en Afrique et ils ne
mettent en évidence que quelques jalons d’une exploration complexe.
La sélection
s’est opérée suivant le double cheminement d’un art marqué par l’ancestralité
africaine et des grandes lignes de force d’une esthétique devenue mondiale.
Il fallait tenter de trouver chez ces artistes les marques profondes, souvent
peu discernables mais toujours présentes de la longue histoire du continent
africain. Un regard attentif permet d’en discerner la profonde réalité. Mais
il importait aussi de se livrer à la recherche des traces de l’histoire de
l’art moderne et contemporain. Cette histoire qui, traversée par
l’impressionnisme, le cubisme, le surréalisme, les abstractions lyriques ou géométriques
et toute l’expérimentation artistique du land-art à l’art corporel, en
passant par l’installation, la vidéographie et l’image numérique, a modifié
non seulement la notion même de création artistique mais aussi, et c’est le
rôle des artistes, notre vision du monde.
Européenne
certes, française très souvent, parisienne en grande partie, cette évolution
esthétique s’est emparée du monde et parcourt tous les continents. Une forme
d’art est devenue, dans son infinie complexité, son extrême diversité,
mouvement universel.
Mais tout
artiste a son origine, sa culture profonde, l’ont marqué un lieu et une
histoire et ces éléments, aussi fondamentaux qu’essentiels, traversent son
œuvre. Là, il s’agit d’artistes issus du continent africain, partageant le
plus souvent leur temps entre l’Afrique, l’Europe et les Etats-Unis,
artistes profondément africains et, en même temps, imprégnés par l’art
dans toute sa diversité mondiale.
Bruce
Clarke,
artiste sud-africain, ne peut oublier la tragique histoire de son pays et la
transpose en collages aux rigueurs graphiques d’une force et d’une présence
remarquables.
Les schémas
picturaux de Diafara Kane reviennent
sur les thèmes de l’abstraction géométriques et de l’art concret en
apportant des variations qui insèrent
ses œuvres au cœur même du Sénégal.
La subtilité,
la précision et l’élégance de l’angolais Franck-K-Lundangi apparentent
ses travaux aux meilleurs dessinateurs de l’art occidental tout en apportant
des tonalités de rouge et de bleus aux audaces fascinantes.
La diversité
des démarches picturales de Patrice Diako, né au Cameroun, surprend et déroute
au premier abord. Il faut longuement observer son œuvre pour en saisir la
continuité et la cohérence ; dans un ensemble de douze diptyques aux petites
dimensions, il se livre à son jeu habituel de variantes, et c’est le regard
sur l’ensemble qui révèle la force de ses fils conducteurs.
Les personnages
longilignes d’Abou Diallo s’opposent parfois à une multitude de carrés,
divisant certaines de ses œuvres en une infinité de petits tableaux ; s’y découvrent
quelques unes des préoccupations de l’art moderne et contemporain, mais ses
œuvres sont imprégnées d’une invention chromatique faisant de cet artiste
malien un incontestable novateur.
Les grands
enseignements du cubisme semblent tendre les formes présentes dans les toiles
du sénégalais Moussa Mbaye ; cette étrange géométrie qui est la sienne
structure ses œuvres, mais ce sont bien des personnages africains qui
apparaissent ainsi, devenant objets de compositions aussi troublantes que séduisantes.
Originaire du
Rwanda, Charles Mutangawa va jusqu’à l’extrême, non du monochrome, mais
conduit à ses limites une teinte unique pour la traverser de nuances qui
tendent à modifier la notion même
de tonalité et plongent dans une réflexion sur les relations internes et les
rapports de force existant à l’intérieur d’une couleur.
L’élégance
domine chez Amadou Sow, élégance de formes, souvent à la limite du
perceptible, élégance de rapports chromatiques délicats où se reflètent des
nuances d’aquarelliste et toutes les subtilités de la très ancienne culture
sénégalaise.
Venue d’Ethiopie,
Etiyé Dima Poulsen, réalise des
sculptures où se mélangent forme humaine et forme végétale ; plantes,
arbres, corps de femmes ? La question peut se poser devant ces longues céramiques
aux somptueuses colorations ; isolées ou associées en petit groupe, elles sont
faites d’une présence rare, presque obsédante, et d’un charme aux douceurs
délicieuses.
Du Sénégal,
Ousseyman Sarr renvoie toute la force d’une lumière aux violences souvent
insoutenables tout en l’apprivoisant, la canalisant dans un schéma de formes
simples en apparence et construites avec une sûreté d’architecte.
Étonnant
technicien de la photographie, le camerounais Bill Akwa Betote est aussi un de
ceux qui savent, à l’instar des de ces grands photographes du siècle,
composer de véritables scènes, utiliser l’objectif comme un moyen de fixer
un sujet longuement réfléchi et préparé, tout en conservant sur la pellicule
ces reflets, ces éclairages, qui font d’un cliché une œuvre d’art.
Moussa M’baye
fait partie de la jeune et brillante génération des photographes sénégalais
; les images qu’il produit se suffiraient à elles-mêmes, mais il les
retravaille, les modifie, les situant ainsi à ce confluent contemporain de
peintres et photographes qui ont su s’emparer avec justesse de ces deux
disciplines.
D’abord
photographe, le sénégalais Bouna Seye est aussi cinéaste et vidéographe ;
prenant le risque de films longs et en apparence répétitifs, il fait preuve
d’une qualité remarquable dans sa volonté de trouver l’image idéale tout
en conduisant vers une véritable exploration sociologique où se dévoile
l’essentiel, les rapports humains.
Avec une
inventivité extrême, Viyé Diba poursuit une tâche d’artiste qui le place
au premier rang ; sa subtilité s ‘associe à l’effervescence de
supports aussi variés qu’inattendus où la rencontre de toute l’humanité de l’objet sénégalais
vient se croiser aux règles picturales fondamentales de l’art.
Rapide panorama
autour de seize artistes, cette exposition ne peut qu’apporter une
certitude, celle d’une création artistique issue du continent africain, aux
forces étonnantes. Ces artistes plongent dans les grands thèmes culturels des
pays de leurs origines, mais ils sont aussi faits de toute notre histoire
commune, ils sont aussi mondiaux qu’africains. Ils sont d’incontestables
artistes et nous prouvent, une fois de plus, que l’art contemporain est plus
vigoureux que jamais, se renouvelle en se perpétuant, innove en s’inspirant
du passé.
L’Afrique fut
productrice d’une part essentielle de l’histoire de l’art, elle l’est
toujours, et la place qui va être la sienne dans l’avenir sera sûrement
considérable.
Jean
de Bengy
Inspecteur
de la création artistique au ministère de la culture
CHARLES MUTANGANWA
Né en 1965 à
Nivelle (Belgique).
PRINCIPALES
EXPOSITIONS:1994 : MUSEE ROYAL DE L’AFRIQUE CENTRALE à Ternuren(Belgique)
IVème RENCONTRE UNIVERSELLE DE PEINTURE DES ACPà Bruxelles
1996
: PARCOURS D’ARTISTES N°5 DE SAINT GILLES à Bruxelles
1998 : CENTRE D’ART CONTEMPORAIN MAISON PELGRIM à
Bruxelles
1999 : CENTRE CULTUREL FRANCAIS DE KIGALI ( Ruwanda)
Le langage employé par Charles Mutangawa est
l’abstraction. Sa peinture doit être considérée non comme un instrument
utilisé pour décrire la réalité externe, mais comme un système aux contenus
propres de sa peinture. Son travail nous conduit à un résultat fort en émotion.
Ici, l’art se fait métaphysique, il se dématérialise en une idée de
l’absolu. Le champ chromatique est simplifié. Il est principalement réduit
au rouge et au noir. Ces deux tonalités sont travaillées en nuance, selon un
usage délicat de dégradé jaune-orangé. L’idée même de la “forme”
devient floue, ou tout au moins se réduit jusqu’à devenir une tache de
couleur. Des peintures de Charles Mutangawa se dégagent des effets vibratoires
d’une grande intensité. De fortes résonances intérieures se font alors
ressentir à celui qui est placé devant l’œuvre. Le spectateur se doit de réinterpréter
cet espace linguistique selon sa propre sensibilité à la couleur, prise ici
comme valeur psychologique ayant la capacité d’exercer une influence directe
sur l’âme.
Sabrina Chianèse
ABDOULAYE KONATE
né
en 1953 a Diré (Mali)
PRINCIPALES
EXPOSITIONS :
1986 : BIENNALE DE LA HAVANE (Cuba)
1988 : METRO DE
LISBONNE , Installation (Portugal)
1993 : CENTRE
CULTUREL FRANCAIS DE BAMAKO (Mali)
1994 : INSTITUT
DU MONDE ARABE (Paris)
1996 : CENTRE
CULTUREL FRANCAIS DE BAMAKO (Mali)
Abdoulaye Konate crée des
installations d’une grande rigueur, sobres, élégantes et d’une extrême
dignité. maîtrisant parfaitement l’espace, son style épuré fait penser au
trait incisif de Braque. Avec ses oeuvres, Abdoulaye Konaté lutte sur
deux fronts, la tradition et les questions liées au monde actuel, affirme que
“les artistes africains contemporains doivent perpétuer les traditions de la
terre”, critique l’impérialisme culturel occidental ou déplore le fait que
maints artistes ont perdu pied avec la réalité du monde. Il rappelle ainsi,
avec force, que la tradition africaine est un alphabet, se sert de celui-ci pour
travailler sur des installations qui rendent hommage au peuple du Mali. Dans
“Mort, Naissance et Culture”, le signe noir qui apparaît en arrière plan
de l’œuvre est symbole de la culture chez les Bambaras et l’artiste
trouve son inspiration, entre autres, dans les autels de dévotion à la
fertilité des femmes Dogon. C’est toujours en se référant aux traditions de
son peuple qu’il créera “Hommage aux chasseurs du Monde”. Il n’hésite
pas, dans ses installations, à introduire des objets quotidiens ou religieux
africains : tissus, cornes, branches d’arbres, amulettes, carcasses de vache
que, selon lui, les gens peuvent comprendre et reconnaître. Abdoulaye Konaté
nous interpelle simultanément sur des problèmes liés à des aspects plus immédiats
; il met en oeuvre un travail sur les événements de mars 1991 au Mali ,
“Dessin d’un événement politique” dans lequel une voiture récupérée
après les ....placée à l’intérieur du véhicule, diffuse des reportages
sur le dictateur Moussa Traoré.. En créant “Rwanda Burundi Génocide”,
“Le drame du Sahel” ou “Lutte contre le HIV”, la démarche est la même,
elle prend l’aspect d’un cri de fureur et fait d’Abdoulaye Konaté un des
plasticiens africains du moment les plus lucides et les plus engagés sur cette
ligne où mémoire et désastres contemporains sont indubitablement liés.
ETIYE DIMMA POULSEN
Née en 1968 à
Aroussi (Ethiopie)
PRINCIPALES
EXPOSITIONS :
1992 : GALERIE “ADAMA” ELIAS MIR à Madrid (Espagne)
1995 : CENTRE CULTUREL DE LA LOUVIERE (belgique)
1997 : BONAMY GALLERY
à San Francisco (USA)
1998 : GALERIE ARTS PLURIELS à Abidjan (Sénégal)
1999 : GALERIE
CAPAZZA à Nancy
C’est dans un style original que la sculptrice éthiopienne
Etiyé Dimma Poulsen réalise ses silhouettes” à partir d’une armature
qu’elle a préalablement découpée puis fixée par des coutures, tel le
travail d’une couturière sur une toile métallique. Cette artiste est comme
une sorte de créatrice qui, maniant l’argile avec le feu, donne vie à ces
personnages aux corps infinis. La chaleur de la cuisson semble comme avoir déformé
ces anatomies qui, principalement féminins, ont leur poitrine et postérieur
mis en valeur. Indissociable de son travail, cet élément premier devient tout
à tour maître et complice dans sa création. Cette soumission de l’argile à
l’épreuve du fu lui permet également d’obtenir des effets
en se remémorant sa terre natale, craquelée par la sécheresse du
temps. L’utilisation des ocres, blancs et nuances de gris et de noir provoqués
par l’enfumage de la sculpture permettent à Etiyé Dimma Poulsen de mieux
souligner la courbe de ces corps contorsionnés. Le regard du spectateur ne peut
être qu’admiratif devant ces sculptures qui, réunies toutes ensemble,
peuvent nous faire songer aux personnages d’une tribu lointaine, nous dominant
de leur hauteur pouvant aller jusqu’à deux mètres.
Sabrina Chianèse
FRANCK K.LUNDANGI
Né
en 1958 à Maquela do Zombo (Angola)*
PRINCIPALES
EXPOSITIONS : 1996 : GRAND MARCHE
D’ART CONTEMPORAIN à Paris (France)
1997 : TOIT DE LA
GRANDE ARCHE à Paris (France)
GALERIE AFRIQUE A COEUR à Paris (France)
1998 ; AMBASSADE DE
LA REPUBLIQUE D’ANGOLA à Paris (France)
1999 : GALERIE MAINE
DURIEU à Paris (France)
Franck K.Lundangi, d’origine angolaise, est un artiste
qui a la capacité de faire apprécier la beauté de son travail à travers la
grande simplicité de son dessin. Le thème de la nature, du corps humain en
mouvement, du rapport homme-nature sont tour à tour traités, conduisant ainsi
à des scènes de vie aussi simples que celle de la chasse. Franck K.Lundangi réussit
à séduire le spectateur par sa manière d’exprimer avec spontanéité son
propre monde qui est celui d’une Afrique du rêve et du souvenir. Ces dessins
et peintures nous rappellent par leur naïveté certains motifs archéologiques.
L’ensemble de la composition est offert en a-plat, ans perspective. De simples
contours viennent définir la forme d’un homme ou d’un animal. Le travail de
Franck K.Lundangi introduit en nous des valeurs émotionnelles. Par sa vision du
monde, l’artiste nous conduit à nous perdre en pensée dans un univers poétique
qui est le sien. Il nous fait alors partager la plénitude qu’il semble avoir
trouvé en dessinant ces figures mi fantastiques, mi réalistes.
Sabrina Chianèse
MOUSSA MBAYE
Né
en 1954 à Dakar (Sénégal)
PRINCIPALES
EXPOSITIONS :
1992
: UNICEF à Paris (France)
1997
: FESTIVAL DE HOUSTON (USA)
1998
: DAK’ART à Dakar (Sénégal)
FOIRE DE TAIWAN
1999
: SEMAINE SÉNÉGALAISE à Lille (France)
Né à Dakar, Moussa Mbaye a
exposé ses oeuvres dans le monde entier, de son pays aux Etats Unis, de France
à Taiwan. Long périple de travaux artistiques aux qualités évidentes. Il
n’y a chez lui ni abstraction ni figuration mais un ensemble de présences
esthétiques, au sens que donnait Jean Bazaine quand il écrivait “à défaut
d’être représentée, la nature est toujours présente dans mes oeuvres”.
Présence d’abord d’un fond
pictural, d’un environnement du motif, qui est tout à la fois terre et ciel
d’une Afrique aux tonalités aussi vives que sereines, image rêvée d’un
monde apaisé, sorti des turbulences.
Cet espace est à la fois
support de l’œuvre et oeuvre en
soi, le regarder longuement permet une autre approche ; ce n’est sûrement un
hasard si, parfois, comme un photographe, il détourne la forme centrale comme
pour créer une différenciation entre deux tableaux superposés.
Présence aussi constante de
l’homme , personnages où le visage n’est qu’évoqué, faces
interchangeables, car le rôle social de ces êtres est avant tout dans leur
posture ; ce sont leurs actes qui les définissent. Leur réalité humaine
surgit dans sa plénitude et viennent alors se superposer, en quelques collages,
d’autres schémas artistiques, nouvelle oeuvre dans l’œuvre, deuxième mise
en en abyme conduisant le regard vers des cheminements inattendus mais toujours
suivant le guide de la géométrie d’un graphisme aux normes et constances
respectées avec la rigueur qui accompagne l’œuvre des artistes véritables.
Renaud de Bengy
BILL AKWA BETOTE
né
en 1952 à Douala (Cameroun)
PRINCIPALES
EXPOSITIONS :
1996 : FESTIVAL PRINTEMPS DES
COMEDIENS à Montpellier (France)
FESTIVAL DUNYA ON STAGE à Rotterdam (Hollande)
1997 : BIENNALE DE LA HAVANE (Cuba)
1998 : GALERIE E O F
à Paris (France)
1999 : FEST RUMBA ON GROVE à
Clichy (France)
Venu du Cameroun à Paris, Bill Akwa Betote a su très
rapidement se faire connaître comme un authentique professionnel et un véritable
artiste. Longue est la liste des journaux français ou étrangers ou revues qui
publièrent ses clichés, apportant ainsi la preuve d’une reconnaissance méritée.
Qu’il s’agisse de lieux ou de visages, de vues ou de personnages, son
objectif apporte une forme et un mouvement personnels qui attestent d’une préoccupation
artistique propre et d’une véritable originalité dans cette discipline,
infiniment plus complexe qu’on ne le pense, qu’est la photographie. Son intérêt
passionné pour la musique l’a conduit à réaliser une série de
photographies portant le titre de “corps instrumental”. Là, Bill Akwa
Betote explore cette étrange correspondance entre les instruments de musique et
le corps humain, cette relation quasiment graphique qui crée une relation esthétique
entre lignes et courbes d’un bras ou d’une hanche et celles d’une guitare
ou d’une harpe .Mais, surtout, ces photographies nous rappellent que le
meilleur instrument de musique n’est objet inerte et muet si ne s’en
emparent une main ou une hanche et que toute musique est rapprochement, contact,
complicité entre les uns et les autres. Il a dit que, pour être photographe,
“il faut anticiper l’instant” ; non seulement, comme tout photographe de
talent, il sait anticiper l’instant de la photographie réussie, mais, dans le
moment de ses clichés, c’est le moment même de la musique qui semble jaillir
de chacune de ses images.
Renaud
de Bengy
ABOU DIALLO
Né en 1970
à Bamako (Mali)
PRINCIPALES
EXPOSITIONS :
1992
: SALON FORMES ET COULEURS
à Velisy (France)
1993 : SALON NATIONAL
D’ART à Rambouillet (France)
1994 : GALERIE
EVERARTS à Paris (France)
1998 : CENTRE
CULTUREL de Coutance (France)
2000 : ESPACE REGARDS à
Paris (France)
Abou Diallo est un artiste malien
qui a la capacité d’entraîner, par sa peinture, le spectateur dans un monde
bien à part, le sien. Parmi la pluralité de ses styles, l’artiste a pris le
parti de s’exprimer dans une grande générosité de tons et de motifs. Les
couleurs de sa palette sont à l’image de son pays d’origine : chaudes et
pleines de vie. Les personnages d’Abou Diallo sont très touchants. De grandes
robes habillent leur corps longiligne et les traits du visage sont grossièrement
esquissés .En regardant ses peintures, l’artiste ne nous donne à voir que
ces personnages qui, amassés au premier plan, forment comme une sorte de barrière
visuelle derrière laquelle il n’y a rien à voir, si ce n’est un fond
monochrome sur lequel chacun se détache. Chargés de pensées et de traditions,
ces hommes nous offrent, à leur simple vue, un dépaysement complet. L’évasion
de l’esprit est également possible dans la peinture d’Abou Diallo par son
recours au signe, facilement identifiable dans ses toiles à damier. L’enchevêtrement
d’étroites bandes de coton lui permet d’obtenir un
ensemble d’images qui pourraient, à elles seules, composer un tableau.
On y trouve ainsi, tour à tour, des portraits, des signes, des dessins qui
seraient comme le résultat d’une forme de griffonnage automatique réalisée
par la main de l’artiste. l’ensemble de la composition offre ainsi une
ambiance mystique où l’image renvoie à l’abstraction et le signe à la
figuration. Il nous est donné ici un parcours initiatique à travers la
symbolique du “signe”. Face à ce travail, le spectateur a comme le
sentiment de se trouver devant un langage inco qu’il doit déchiffrer. Notre
regard se perd alors dans une lecture sans sens ni cohérence, mais malgré tout
emplie d’émotion.
Sabrina
Chianèse
DIAFARA KANE
né en
1952 à Saint-Louis (Sénégal)
PRINCIPALES
EXPOSITIONS : 1994 : SALON DU MUSEE
DE LA POSTE à Paris (France)
1996 : DAK’ART à Dakar (Sénégal)
GALERIE
OLORUN à Kansas City (USA)
1997 : AUTOUR D’AIME CEZAIRE à l’UNESCO à Paris (France)
1999 : AUTOUR DU CINEMA AFRICAIN au
festival de Cannes (France)
Diafara Kane est un artiste qui
peut se définir comme un peintre sans pinceau. Ce n’est pas de la peinture
qu’il utilise, mais un ensemble de collage
de tissus africains qui donne pour résultat final une
“peinture-patchwork”. Pour chacune de ses toiles, on peut ainsi y voir un
enchevêtrement de lignes parallèles, un chaotique éclatement de couleurs qui
s’entrechoquent sous le regard interrogatif du spectateur. Si on demande à
l’artiste de définir en quelques mots sa peinture, il répond : “je peints
mes tableaux à grands jets d’étoffes parce que le support textile est un élément
indissociable de la culture négre-africaine”. Diafara Kane a fait le choix du
tissu et, tout particulièrement, celui du pagne africain, pour porter, selon
lui, un ensemble de messages symboliques tel que par exemple celui de l’érotisme,
de la reconaissance sociale, de l’identification des castes. C’est, enserré
dans ce pagne et porté sur le dos de sa mère, que le petit africain fera
connaissance avec tour ce qui l’entoure, c’est à dire avec la vie.
La civilisation africaine reste
également marquée par la tradition orale. Diafora Kane cherche ainsi à réunir,
dans une même création, l’oralité et la symbolique du pagne pour aboutir à
un seul et même langage, son travail artistique.
Le talentueux travail de cet
artiste sénégalais ne peut qu’inspirer admiration et reconnaissance,
ressentiment déjà partagé par de nombreuses personnalités telles que madame
Elisabeth Diouf ex épouse de l’ex-président sénégalais.
Sabrina
Chianèse
BRUCE CLARKE
Né
en1959 à Londres
PRINCIPALES
EXPOSITIONS :
1992 : FIGURATION CRITIQUE au Grand Palais à Paris (France)
1994 : “DE L’AFRIQUE A
L’AFRIQUE” GALERIE YAHIA à Tunis
1995 : ART’CRA à Accra (Ghana)
1998 : KULTURFABRIK au
Luxembourg
1999 : CENTRE CULTUREL
FRANCAIS de Kigali (Rwanda)
Militantisme et anti-apartheid, tels sont les
thèmes qui personnifient l’ensemble du travail de Bruce Clarke. Né en
Grande Bretagne, de parents Sud-Africains exilés en 1958, l’artiste a gardé
cette fibre militante pour avoir grandi dans le milieu des réfugiés
Sud-Africains. Ses moyens de dénonciation sont simples : collages,
superposition de papier et de peintures. Il en résulte un très beau travail
d’images, tout en couleurs et en sens. Des coupures d’articles, des
titres, commentaires journalistiques se superposent à des silhouettes offertes
en a-plat, à des regards qui nous transpercent de face, nous désignent, nous
accusent presque.
Bruce Clarke est un artiste qui travaille également sur
la superficialité de la communication dans
la société d’aujourd’hui. l’artiste cherche alors à provoquer une réaction
à la lecture de ses toiles. Ce qu’il recherche, c’est dénoncer, faire agir
le public. Sa manière bien particulière de détourner l’actualité, lui vaut
de travailler avec le “Monde Diplomatique”, mensuel français, pour qui il
illustre souvent des articles.
Cette approche du monde, à la
fois esthétique et engagée, lui a également permis de réaliser l’affiche
du festival d’Avignon 96 ainsi que l’affiche de “Fools”, premier long métrage
du sud africain noir, Suleman Ramadan.
SabrinaChianèse
PATRICE DIAKO
Né
en 1951 à Douala (Cameroun)
PRINCIPALES
EXPOSITIONS :
1987 : GALERIE WABASH à Chicago (USA )
1989 : JACKIE O’ à Rome
(Italie)
1996 : GALERIE CHARLOTTE
DAANEL à Amsterdam (Pays Bas)
DAK’ART (Sénégal)
1998 : L’OBJET RECREE ,
Les Ulis (France)
Peintre de la couleur plus que
de la forme, Patrice Diako donne à son oeuvre, à l’ensemble de ses oeuvres,
une unité faite de teintes qui reviennent sans cesse dans ses tableaux. Des
ocres et des rouges, du noir, du beige, couleurs de ses origines qui sont
toujours présentes. Son excellente formation en histoire de l’art transparaît
dans ses toiles et on y trouve aisément les traces des artistes de toutes les périodes,
de l’art rupestre à la plus récente création.
Mais, si la couleur prédomine,
si elle semble dominante, elle est aussi le support de tout un monde qui lui est
propre. Avec beaucoup de discrétion, comme s’il ne s’agissait que de
petites annotations, apparaissent des personnages. Plus évoqués que réellement
présents, ils occupent tout ou partie de la toile, en couple ou isolés. Méthode
picturale qui n’est pas sans évoquer une période de Jean Dubuffet. Il
n’est pas inutile qu’il se destina d’abord à l’architecture d’intérieur,
“métier plus sérieux que faire le peintre”, comme il le disait à l’époque.
En effet, il faut observer de près son tracé pour en percevoir la justesse et
la précision. Avec une imagination qui paraît sans limites, il parcourt un
univers où l’humanité, et surtout la femme, l’accompagnent.
Contrairement à cette
affirmation de jeunesse, c’est avec un infini sérieux qu’il fait son métier
de peintre et avec un plaisir qu’il nous communique admirablement.
Renaud de Bengy
BILL KUELANI
Né
en 1965 à Brazzaville (Congo)
PRINCIPALES
EXPOSITIONS :
1987 : CENTRE CULTUREL FRANCAIS à
Brazzaville (Congo)
1990 : EXPOSITION INSPIREE PAR LA POESIE DE TCICAYA U TAM’SI
1996
: PATRIMOINE FRANCO-CONGOLAIS
1997 : CREATIVITE CONTEMPORAINE AU CONGO à Pointe Noire (Congo)
La peinture de Bill Kouelani
est faite d’une abstraction où s’opposent des teintes de rouge de
bleu et de jaune, comme si les trois primaires lui suffisaient. Couleurs
apparemment peu mélangées, comme sorties du tube, modules souvent répétés,
presque obsessionnels et, quand apparaît une forme reconnaissable, tel un corps
de femme, elle ne semble qu’incidente.
Mais il ne faut pas s’arrêter
à la technique apparente et aller, au-delà, vers le support. C’est là que
s‘accomplit l’essentiel de son travail de peintre. Comme Viala qui, sans relâche,
ne veut utiliser qu’une forme mais la soumet à de constantes variations en
utilisant tous les supports possibles, elle fabrique elle-même les espaces de
sa peinture. Elle découpe des panneaux de contreplaqué, assemble des planches,
recouvre des partie de toiles, utilise toutes sortes de matériaux. Sa réussite
est faite du rapport entre ces assemblages étranges, souvent inattendus,
toujours originaux et la vigueur de sa peinture.
Sans cesse, elle
prend tous les risques, se lance dans des aventures périlleuses, court
vers l’échec et parvient ainsi à une réussite.
Elle a écrit des nouvelles et
des récits, participé à un scénario de film, illustré des ouvrages ; elle
est parmi les peintres de notre époque, de ceux dont il convient de suivre les
évolutions avec un intérêt plus que certain.
Renaud
de Bengy
AMADOU SOW
Né en 1951 à
Saint-Louis (Sénégal)
PRINCIPALES
EXPOSITIONS : 1974 : ART SENEGALAIS
D’AUJOURD’HUI au Prand Palais à Paris
1980 : NEW ORLEANS
MUSEUM OF ART à la Nouvelle Orléans (USA)
1993 : INSTITUT
FRANCO ASIATIQUE à Vienne (Autriche)
1994 : SALON DE LA
DECOUVERTE à paris (France)
1998 : GALERIE “LE
SARO” à Dakar (Sénégal)
Il y a peu d’artistes du Sénégal
qui aient autant exposé à travers le monde
que Amadou Sow. Ses oeuvres ont parcouru toute la planète, presque toute
l’Europe, les Etats Unis, le Mexique, le Brésil et, bien sûr, de nombreux
pays d’Afrique. Il est peintre, mais aussi sculpteur, graveur, lithographe, céramiste.
Toutes les formes d’expression artistique semblent le concerner et il les
explore toutes avec une réelle passion.
Ses oeuvres sont très souvent
marquées de signes, de certaines formes d’écriture
aux lectures impossibles ou peu aisées ; reprise de hiéroglyphes ou alphabet
personnel, comme celui qu’a créé Villeglé. Parfois, c’est un soleil étrange,
comme recouvert par l’éclipse, qui forme le signe, ou de simples nuances de
terre ou de sable. S’agit-il encore de signes, d’un alphabet, d’une écriture
?
Cette peinture est faite pour
garder sa part de mystère, pour évoquer des mondes disparus dont le souvenir
et les traces ont marqué notre univers contemporain. La tradition disparaît,
sans répit le neuf chasse le vieux, et, pourtant,
tout est issu du passé, rien ne serait sans ce qui précède. Amadou Sow
a passé son enfance à Goréen c’est toute la force de l’histoire qui est
présente dans son oeuvre.
Renaud de Bengy
BOUNA MEDOUNE SEYE
Né en
1956 à Dakar
PRINCIPALES
EXPOSITIONS :
1992 : CENTRE WALLONIE BRUXELLES à Paris (France)
1996 : MOIS DE LA PHOTO à Dakar (Sénégal)
1997 : COUVENT DES CORDELIERS à Paris (France)
1998 : PINACOTEA DO ESTATO à Sao Polo (Brésil)
1999 : SMITHSONIAN INSTITUTE à Washington (Etats Unis)
Venu
de la photographie, le vidéaste Bouna Médoune Seye est un arpenteur du réel.
Que son regard traque la violence, la folie ou différentes anecdotes
citadines, c’est toujours avec une attention extrême qu’il nous donne à
voir la réalité d’une Afrique urbaine. Refusant les consignes du reportage télévisé,
il signe avec “Zone Rap 52” un document sensible, sachant se tenir
suffisamment à distance des jeunes musiciens qu’il interroge, il les laisse
s’exprimer en toute liberté. Son travail de montage est fluide, ordonné,
habile, la caméra passe entre les protagonistes avec discrétion, comme si
l’artiste ne voulait finalement que les effleurer, parce que ce qu’ils ont
à dire est réellement important : abandon, chômage, misère. La caméra
enregistre tout avec retenue et Bouna
Médoune Seye montre ainsi qu’il ignore le voyeurisme. Dans “Les pieds
dans les rues de Dakar”, il aborde le sujet des chaussures comme signe
social, le travail au niveau du son devient emblématique : bruits de la ville
mixés devenant un arrière fond sonore pesant, un brouhaha symbole de la démence
urbaine dont les pieds se veulent les témoins de classes. Bouna Médoune Seye
est un scrutateur de premier ordre d’une Afrique moderne dans laquelle
s’engouffrent trop de maux.
Renaud
de Bengy
VIYA DIBA
né en
1954 au Sénégal
PRINCIPALES
EXPOSITIONS : 1987 : GALERIE KERAMIC à Stuttgart
(Allemagne)
1988 : SALON D’ART PLASTIQUE à Dakar (Sénégal)
1995 : BIENNALE INTERNATIONALE DES ARTS à Johannesbourg (Afrique du Sud)
1997 : CENTRE NATIONAL CONTEMPORAIN D'ART PLASTIQUE à Bruxelles
(Belgique)
1998 : SALON NATIONAL D'ART PLASTIQUE
à Dakar (Sénégal)
Toute l’oeuvre de Viya Diba
est faite d’une infinie discrétion, comme si l’artiste ne voulait traduire
ses émotions, sa vision du monde,
qu’avec une constante retenue. Sa touche est toujours légère, les rapports
chromatiques empreints de subtilités, le graphisme peu apparent, comme dissimulé,
peu présent. Pourtant, cette modestie picturale n’est en
aucun cas apparentée au minimalisme ; il faut longuement regarder ses toiles
pour en extraire les significations profondes, il convient de les explorer pour
en saisir les subtilités. Ainsi apparaissent des modulations sans fin, des
mouvements internes, propres à chaque toile, une diversité étonnante et une
lumière qui, parce que quelque peu voilée au premier regard, n’en est que
plus éclatante.
Renaud de
Bengy
OUSSEYNOU
SARR
né au Sénégal
EXPOSITIONS AUX ETATS UNIS, CANADA, SUEDE,
ITALIE, ALLEMAGNE, FRANCE
REALISATEUR DE DECORS DE THEATRE ET DE
COMMANDES PUBLIQUES
Véritable théoricien de
l’art, titulaire d’une thèse de doctorat sur “ Ethique et esthétique
de la vie et de la mort des masques africains”,
Ousseynou Sarr transpose dans sa peinture sa grande culture. Au
delà de son travail d’artiste, il a consacré une grande partie de son
activité à l’enseignement et ses oeuvres sont aussi une certaine forme de leçons
d’art contemporain.
Toutes ses toiles sont réalisées
avec la plus absolue rigueur, toujours apparaît une construction longuement élaborée,
parfaitement réfléchie ; chaque forme a sa place ;
comme pour Mondrian, le moindre déplacement d’une ligne mettrait en
cause l’ensemble du tableau. Pourtant il n’y a rien de rigide ou de figé
dans cette oeuvre, c’est l’émotion qui l’emporte et domine.
Renaud de
Bengy
Cette exposition a été réalisée
dans le Centre d’art et d’échanges culturels
créé
par Jean Miotte et Dorothea Keeser
Commissaire
de l’exposition :
Jean
de Bengy
avec
la collaboration
de
Sabrina Chianèse
et de
Renaud de Bengy
Nous remercions pour leur participation :
L’AFAA (Afrique en création)
Florence Alexis
Hélène Maza
Jean-philippe
Aka
Sophie Erlich
L’ambassade du Congo
Et
tout particulièrement
Marie-Laure Croisiers de Lacvivier
pour ses nombreux prêts d’œuvres
et ses
conseils pertinents.